| Учёба: | Школа изящных искусств Сан-Фернандо, Мадрид |
|---|---|
| Стиль: | |
| Известные работы: | |
| Влияние: | помощью публичных сцен и истерик. Ребенок страдал массой фобий и комплексов, что мешало ему найти общий язык со сверстниками. Одноклассники часто дразнили и использовали фобии против него. Сальвадор вел себя при этом вызывающе, старался эпатировать окружающих. Хотя друзей детства было мало, один из них — Хосеп Самитьер, футболист «Барселоны». Уже в детстве проявился талант Дали к изобразительному искусству. В 6 лет он писал интересные картины. А в 14 лет состоялась его первая выставка в Фигерасе. Совершенствовать свои навыки Дали получил возможность в муниципальной художественной школе. В 1914-1918 года Сальвадор учился в Фигерасе в Академии ордена маристов. Обучение в монашеской школе проходило не гладко, и в 15 лет эксцентричного ученика выгнали за непотребное поведение. В 1916 году произошел знаковый для Дали случай — поездка в Кадакес (Cadaqués) с семьей Пишо. Там и произошло знакомство с современной живописью. В родном городе гений учился у Жоана Нуньеса. В 1921 году будущий художник окончил институт (так назывались в Каталонии средние школы), в который удалось поступить даже, несмотря на исключение из монашеской школы. Оценки у Дали были блестящие. Юношеские годы Дали Талантливый юноша с легкость поступает в мадридскую Академию Сан-Фернандо и переезжает в «Резиденцию» — общежитие для одаренных студентов. Дали замечают за привлекательную внешность и щегольство. Вместе с учебой художественному ремеслу, юноша начинает осваивать литературу. Хотя первые заметки о великих художниках появились еще в 1919 году, обучаясь в Академии, он уделял письму больше времени. Молодые годы В 1929 году Дали вместе с Бунюэлем всего за шесть дней пишет сценарий фильма «Андалузский пес». Картина имеет ошеломительный успех. Бурные события в личной жизни лишь придавали вдохновения. Многочисленные картины демонстрируются на выставках. В 1929 году Дали вступил в общество сюрреалистов Бретона. Написанные в начале 30х годов картины «Постоянство памяти» и «Расплывшееся время» принесли Дали известность. Фантазии на тему смерти и тления, сексуальности и влечения присутствовали на всех полотнах. Художник восхищается Гитлером, что вызывает недовольство Бретона. Успех «Андалузского пса» вдохновил Бунюэаля и Дали на второй фильм «Золотой век», который вышел в 1931 году. Поведение гения становится все более эксцентричным. На одной из картин он написал, что с наслаждением плюет на портрет матери. За это и за отношения с Галой Дали проклял отец. Уже, будучи в преклонном возрасте, художник писал, что отец был очень хорошим и любящим человеком, сожалел о конфликте. Начинаются ссоры с сюрреалистами. Последней каплей стало написание в 1933 году картины «Загадка Вильгельма Телля». Здесь персонаж отождествлен с Лениным как суровым идейным отцом. Сюрреалисты поняли Дали буквально. Тем более что он имел наглость заявить: «Сюрреализм — это я». Конфликт приводит к разрыву с обществом Бретона в 1936 году. Творческие изменения В 1934 году была написана одна из самых знаменитых картин — «Метаморфоза Нарцисса». Практически сразу Дали опубликовал литературную работу «Метаморфозы Нарцисса. Параноидная тема». Постепенно художник отходит от сюрреализма, но все равно продолжает эпатировать публику, называя себя спасителем (обыгрывается значение имени Сальвадор) от модернистской деградации. Жизнь в США С началом второй мировой войны Дали и Гала отправляются в США, где останутся на протяжении 1940-1948 годов. Здесь же выходит скандальная автобиография, упомянутая ранее. Возвращение в Испанию. Зрелые годы Тоска по родине дала о себе знать, и в 1948 году супруги возвращаются в Испанию, в любимую Каталонию. В картинах того периода начинает проявляться фантастическая и религиозная тематика. В 1953 году состоялась выставка, на которой было собрано более 150 работ. Вообще Дали был очень плодовитым художником. |
Сэндвич из тоталитаризма и авангарда: художник Александр Косолапов о «провинциальном» русском искусстве и коммунистической «кока-коле»
DTM — это вторая персональная выставка Косолапова в Москве после эмиграции (первая прошла в ММоМА в 2017 году). Художник, работы которого не раз вызывали скандал и подвергались запрету, рассказал Forbes Life о том, как эпидемия коронавируса и движение Black Lives Matter отразились на его работах, а также о том, есть ли будущее у русских художников и почему искусство сегодня — это скоростное шоссе.
— Александр, расскажите о новом проекте.
— Выставка посвящена авангарду и называется DTM. Это аббревиатура трех имен — Дюшан, Татлин и Малевич. Предыстория следующая: в 2017 году праздновалось столетие работы Дюшана под названием «Фонтан» (знаменитый реди-мейд, представляющий собой писсуар с подписью «Фонтан». — Forbes Life). В честь этого в нью-йоркской галерее Francis M. Naumann прошла выставка работ художников, вдохновленных «Фонтаном». Среди представленных авторов были Джон Балдессари, Ай Вэйвэй. Там была и моя работа «Русский революционный фарфор». Мне показалось интересным, что этот юбилей почти совпал со столетием «Черного квадрата» Малевича, написанного в 1915 году. Прошло сто лет, а мы до сих пор живем в лучах авангарда, пользуясь его достижениями, и я решил продолжить эту концепцию — так родилась выставка DTM. Год назад я сделал три скульптуры, посвященные этим художникам. Их увидела Эльвира Тарноградская, которая предложила мне сделать выставку в галерее Syntax. Еще у меня была успешная работа под названием «Мона Лиза» — это снова отсылка к Дюшану, к его работе 1919 года L.H.O.O.Q. Эти работы стали костяком выставки.
Love 2018 Холст, акрил 80х170 см— Как проходила подготовка к выставке в сегодняшних непростых условиях?
— События, происходившие во всем мире, и в частности в Нью-Йорке, где я живу, — коронавирус и движение Black Lives Matter, — безусловно, повлияли на процесс работы. Отдельные произведения на выставке затрагивают тему гендера, которой касался и Дюшан. Но если у Дюшана Джоконда изображена с усами и бородкой, то у меня — с лицом Владимира Путина. У Дюшана даже было женское альтер эго, которую звали «мадам Селяви». В этом образе его фотографировал Ман Рэй. Я живу в Гринвич-Виллидж, и мой район подвергался нападениям (во время протестов BLM. — Forbes Life). На улицах висели плакаты с надписями «Что не так с твоей кожей?» или «Черный — это красиво». Это вызвало во мне резонанс, тем более что я тогда писал картину «Черная девушка, сидящая на коробке Brillo» (коробки с мылом этой марки Энди Уорхол воссоздавал наряду с супом Campbell. — Forbes Life). В итоге я сделал перформанс, покрасив себя гримерными красками, создал серию фотографий и два автопортрета с «черной кожей». В качестве названия я использовал надпись с плаката «Что не так с твоей кожей?».
Хитом ярмарки современного искусства в Женеве стал портрет Путина в образе Моны Лизы
Реклама на Forbes
— Вы планируете показывать эти работы в США?
— У меня есть сомнения на этот счет. Когда я поделился этой идеей со своими друзьями, они сказали прямо: «Саша, мы тебе не советуем, тебя обольют грязью». Но в принципе мои работы часто считают провокационными. Когда в 1980 году я сделал работу «Ленин Coca-Cola», компания Coca-Cola решила меня судить. Они обвиняли меня в том, что американский потребитель будет ассоциировать их напиток с коммунизмом. Были такие произведения, как «Икона-икра» или «Моя кровь», но я делаю их не ради скандала, он возникает сам собой.
«Я объединяю образы из разных культурных кодов— Малевич и Marlboro, Ленин и Микки-Маус, авангард и реклама, коммунизм и капитализм, Икона и Икра»
— Из-за такого совмещения образов возникает наслоение смыслов. Вам не кажется, что сегодня, во времена новой этики, от художника требуется четкость и однозначность высказывания?
— Искусство амбивалентно. Мое ноу-хау заключается в создании драматургии и конфликта. Я объединяю образы из разных культурных полей (кодов) — Малевич и Marlboro, Ленин и Микки-Маус, авангард и реклама, коммунизм и капитализм, Икона и Икра и так далее. Сегодня я вижу пространство искусства не как музей или галерею, а как хайвей, по которому зритель едет с бешеной скоростью, а за окном проносятся билборды, которые борются друг с другом за право привлечь его внимание. Конкуренция очень высока. Времени на восприятие мало, поэтому моя работа должна не только быть понятной, но и по возможности уйти в подсознание, а затем выплыть как новый сигнал. Значимость моих работ заключается в следующем: мне звонят из Гонконга и предлагают делать магнитные стикеры «Ленин Coca-Cola», а футболки с надписью McLenin’s десятилетиями продавались на Арбате и во всем восточноевропейском пространстве, став символом перестройки. В моем представлении великий композитор — это не Бетховен (он сложен), а тот, кто сочинил «Чижик-пыжик», который прост и доступен миллионам. Это продукт не только массовой культуры, но и массового сознания. Месседж должен быть предельно простым. Такой же стратегии, к примеру, придерживается и Бэнкси, но он появился позже меня. Меня не интересует, кого — по Кабакову — «возьмут в будущее». Искусство — это то, что здесь и сейчас.
Мона Лиза L.H.O.O.Q. 2020 Холст, масло 85х63 см— Работы на выставке делались в Нью-Йорке или в Москве?
— В Нью-Йорке ничего не делалось. Сегодня существуют новые формы взаимоотношений автора со своими работами. Сам я провел пять месяцев в локдауне, а в это время с подготовкой выставки мне в Москве помогали мои ассистенты, я общался с ними по телефону или по интернету. Каждая скульптура состоит из нескольких элементов, включая подставки, которые отдельно отливались из пластика. Это масштабный проект. Если бы я делал его своими руками, это бы заняло не год, а пять лет.
Подлинник или подделка: почему выставка работ Энди Уорхола в Москве вызвала скандал
— Есть мнение, что многие из работ Уорхола были выполнены ассистентами уже после его смерти. Как вы к этому относитесь?
— Куратором моей выставки в ММоМА в 2017 году был арт-критик Картер Рэтклифф. Он очень хорошо знал Уорхола. Он рассказывал, что после смерти Уорхола осталось очень много работ. Тем более что они производились буквально на «Фабрике», поэтому перепроизводство не исключено, а мы знаем, что спрос должен равняться предложению. Что касается того, что некоторые работы были напечатаны посмертно — в этом нет ничего необычного, такая же история произошла и с Китом Харингом, когда решение о создании тиражной работы берет на себя ассистент или душеприказчик.
«Меня не интересует, кого — по Кабакову — «возьмут в будущее». Искусство — это то, что здесь и сейчас»
— В названии выставки три фамилии — две из них русские. Акцент очевиден.
— Я ждал этого вопроса. Мы можем говорить о французском, русском, немецком авангарде. Мы — культурные дети этих движений. Прошло 100 лет, но наши корни до сих пор уходят в их эксперименты и достижения. Мы — генетические продолжатели этого процесса. Когда я эмигрировал в Нью-Йорк, то понял зависимость культуры от социальных процессов, что в Америке произошла потребительская революция, в результате которой появился поп-арт. Надо сказать, он был не только американским, но и европейским. Называя выставку DTM, мы говорим о мировом авангарде. В скульптурах, представленных на выставке, «Черный квадрат» Малевича или «Фонтан» Дюшана объединены с фигурой девушки-гимнастки. Это отсылка к фильму Лени Рифеншталь «Олимпия» и к парадам на Красной площади с участием гимнасток, которые отражены в работах Родченко. Это своего рода «сэндвич» из тоталитаризма и авангарда, визуальная конфронтация двух культурных кодов.
Duchamp-Girl 2020 Углепластик, металл, дерево , смешанная техника— Русский авангард был вписан в общемировой контекст. Как обстоит дело с современным русским искусством сегодня? Оно соотносится с международной повесткой?
— Серьезный вопрос. К сожалению, авторитарность советского и постсоветского режимов не дает для этого предпосылок. Западная культура — это смена парадигм. Искусство двигается скачками. Когда я попал в США, мне пришлось учиться понимать этот язык. Многое пришлось отбросить. Очень важный фактор — это рынок, который в 1990-е годы все изменил. Произведения искусства превратились в «голубые фишки». Это создает большие проблемы для периферийных культур. Что касается развития русского искусства — это сложный процесс. Я всегда говорю: не мы выбираем, а нас выбирают. Будет ли оно релевантно для рынка и для культурного процесса — это вопрос. Несомненно, плохо для русских художников то, что они — возможно, и неумышленно — имитируют западное искусство, плохо его зная. Но это заметно снижает интерес к ним. Так же вредна, на мой взгляд, идея о том, что русское искусство может автономно существовать в разрыве с мировой культурой. К сожалению, такое видение делает его провинциальным феноменом.
Уорхол, Бэнкси и Пикассо: самые дорогие тиражные произведения искусства
7 фотоКлассика с Михаилом Трофименковым – Weekend Украина – Коммерсантъ
«Охота»
(La caza, 1966)
Восьмидесятилетний Карлос Саура, на взгляд современного зрителя, это такой вдохновенный старик, который снимает, как сказали бы в советское время, фильмы-концерты мастеров танго, фламенко и фадо. Ну, еще иногда позволяет себе шутки вроде «Бунюэля и стола царя Соломона» (2001). Мало кто помнит, что именно с Сауры — точнее говоря, именно с «Охоты», его третьего фильма,— начался испанский современный кинематограф. И начинал он его практически в одиночку, посреди пустыни испанской культуры. Победив собственную страну в гражданской войне, унесшей сотни тысяч жизней, Франсиско Франко, по выражению Виктории Абриль, «кастрировал Испанию», установив средневековую цензуру. Ясное дело, что любой модернизм — кроме Сальвадора Дали — считался коммунистической пропагандой или порнографией. Пока никто не осмеливался заговорить о гражданской войне, она продолжалась в головах испанцев, из политической проблемы превращаясь почти что в психиатрическую. Саура решился: конечно же, в форме притчи о трех охотниках на кроликов, неумолимо сходящих — от жары, пьянства, бытовых проблем или первобытных инстинктов, не все ли равно — с ума. То накатят на них воспоминания о четвертом друге, самоубийство которого они никак не могут себе объяснить. То Луис зальет зенки и начнет палить во все стороны. То окажется, что Хосе, отягченный домашними бедами, затеял выезд на охоту, чтобы попросить в долг у Пако, когда тот расслабится. А Пако не расслабится и отошьет Хосе, и Хосе глянет таким взглядом затравленной, но бешеной собаки, что, поймай этот взгляд Пако, не стал бы поворачиваться к другу спиной. Причем тут война — кризис среднего возраста, знаете ли. Ну а то, что все трое охотников — ветераны, сражавшиеся за Франко в рядах ультраправой фаланги, так это бытовой штрих: среди испанцев среднего возраста тогда, в середине 1960-х годов, необстрелянных не водилось. И вскользь брошенная фраза о том, что «немецкое оружие — гарантия качества»,— просто констатация факта, а не воспоминание о днях, когда нацистское оружие так ладно ложилось в руки юных фалангистов. И заброшенные блиндажи не могли не попасть в поле зрения камеры: вся Испания была ими изрыта. Но до Сауры, однако же, не попадали. Но то, что речь не о психозах пятидесятилетних Хосе (Исмаэль Мерло), Пако (Альфредо Майо) и Луиса (Хосе Мария Прада), а о национальной травме, понятно с первых же кадров. Саура еще и дополнит это ощущение сильным, что твои «Бедствия войны» Гойи, визуальным образом. Хосе хранит в подвале скелет первого коммуниста, которого убил на той единственной гражданской. В чрезмерной понятности заложенного в «Охоте» послания, кстати, состоит главный изъян этой мощной черно-белой, словно выжженной, как выжжена солнцем кастильская долина, картины. Кстати, это вообще изъян многих фильмов 1960-х годов: до тебя долго и подробно, образно и красиво доносят некую мысль, до которой наивный зритель сам доходит на десятой минуте экранного времени, а искушенный давно с этой мыслью знаком. Забавно, кстати, что ХХ век очень часто выбирает в качестве глобальной политической метафоры именно охоту. В «Правилах игры» (1939) Жана Ренуара охота — пророчество стоящей на пороге войны, в «Охотничьих сценах в Нижней Баварии» (1969) Питера Фляйшмана — нацистского прошлого и ксенофобии, в «Охотниках» (1977) Тео Ангелопулоса, как и у Сауры,— травмы гражданской войны. Да и Россия не отстала: «Утиная охота» Александра Вампилова в этот ряд вполне встраивается.
«Теодора сходит с ума»
(Theodora Goes Wild, 1936)
Фильм Ричарда Болеславского по сценарию Мэри Маккарти и будущей жертвы маккартизма Сидни Бахмана слывет одним из остроумнейших в Голливуде 1930-х годов. Хорошая, но далеко не лучшая светская комедия тех лет. Зачин стремителен и прекрасен в живописании дыры под названием Линдфильд. Теодора (Ирэн Данн), учительница воскресной школы, чахнущая под надзором тетушек-сплетниц, публикует под псевдонимом роман. Америка сходит от него с ума: в Линдфильде старые девы зачитывают его вслух, чтобы упасть от ужаса в обморок на словах «В глазах у нее потемнело, и в комнате тоже погас свет. Продолжение следует». Продолжение следует, но ожидаемое. Появится прекрасный принц — блудливый, хотя и женатый издательский художник Майкл (Мелвин Дуглас), и Теодора вступит с ним в извечную «битву полов». Будет хлестать виски, наряжаться в дорогущие тряпки, пристраивать его для конспирации на работу в тетушкин дом садовником и даже шокировать общественность, появляясь на людях с невесть где позаимствованным младенцем. Но битва полов на экране всегда завершается одинаково.
«Банда Спайкси»
(The Spikes Gang, 1974)
Мифологию Дикого Запада с начала 1960-х годов хоронили все кому не лень, потом выкапывали ее труп и заставляли скакать по экрану, чтобы заново с гиканьем закопать до очередной эксгумации. Но никто не совершил этот обряд с таким порнографическим цинизмом, как Ричард Фляйшер. Его Техас населен стариками — некогда прославленными убийцами, и светлыми мальчишками, похожими кто на Тома Сойера, кто на очкастого Валерку из «Неуловимых мстителей». Уилл (Гэри Гримз), Лес (Рон Говард) и Тод (Чарльз Мартин Смит) грезят о былинных романтических временах вольных стрелков — судьба глумливо дает им шанс наткнуться в кустах на подстреленного дедушку Спайкса (Ли Марвин) с бутафорскими белоснежными усами. Он защитит их от других стариков, совсем уже выживших из ума клоунов, бродящих в поисках, кого бы убить. Старикам здесь не место, а детям — тем паче. Они по полной хлебнут чаемой романтики: друг, которого надо бросить умирать в пустыне, иначе тебя настигнет погоня; наставник, который стреляет тебе в спину, и твоя собственная заливающая глаза кровь.
Гала Дали: муза, монстр или непонятый художник?
- Кэт Паунд
- BBC Culture
Автор фото, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018
Возмутительная, капризная, корыстная — Галу всю жизнь окружала слава музы-чудовища. Но была ли она также самобытным художником, соавтором Дали и создателем мифа о нем? Возможно, сегодня ее роль нуждается в переосмыслении.
В кругах художников-сюрреалистов шутили, что если художник нарисовал хорошую картину, он наверняка влюбился в Галу.
Она была женой поэта Поля Элюара, любовницей Макса Эрнста и многих других известных мужчин эпохи, а потом она встретила Сальвадора Дали, влюбилась и провела с ним остаток своей жизни.
Впрочем, ее мощная личность раздражала мужское художественное общество. Андре Бретон ее презирал, а Луи Бунюэль ненавидел так, что однажды чуть не задушил.
Когда Дали стал всемирно известным, Гала получила славу женщины с манией величия, одержимую деньгами и молодыми любовниками.
Хотя доля правды в этом, безусловно, есть, пикантные истории и сплетни, которые окружали Галу Дали всю ее жизнь, упускают важный факт о ее огромном новаторском таланте.
Автор фото, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018
Підпис до фото,Гала в шляпке Эльзы Скиапарелли, дизайн которой разработал Сальвадор Дали, 1938
Выставка, которая недавно открылась в Национальном музее искусств Каталонии в Барселоне, свидетельствует, что Гала была не только музой. Ее можно по праву считать концептуальным художником, чей самобытный стиль сыграл важную роль в творчестве самого Дали.
Елена Ивановна Дьяконова родилась в 1894 году в России. Гала — так назвал ее Поль Элюар, с которым она познакомилась в швейцарском санатории, где лечилась от туберкулеза. Им обоим было тогда 17 лет.
Именно с Элюаром она впервые осознала свой талант вдохновлять на творчество. Она поощряла Элюара к поэзии и написала предисловие к одному из его ранних сборников.
Неудивительно, что текст был опубликован под псевдонимом: «Она решила играть роль невидимки, хотя эта роль была чрезвычайно важной, как в произведениях Элюара, так и позже — Дали», — отмечает куратор выставки Эстрелла де Диего.
Пара объявила свой брак открытым, и Элюар с удовольствием знакомил Галу с ее будущими любовниками, среди которых был и Макс Эрнст. Художник оставил свою жену и присоединился к запутанному ménage a trois (любовь втроем) с Дали и Галой.
На картине 1922 года «Встреча друзей», на которой Эрнст изобразил ведущих художников сюрреализма, Гала была единственной женщиной.
Автор фото, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018
Підпис до фото,На картине 1972-73 годов Дали изобразил себя вместе с Галой, которая отражается в зеркале
Взглядом львицы, которым Гала смотрит с полотен любовников, она очаровывала мужчин и в свои 70 лет.
В отличие от Эрнста и Элюара, Андре Бретон ненавидел Галу и видел в ней соперницу, которая частично украла его власть в обществе художников.
Именно он сделал немалый вклад в создание ужасной репутации Галы после того, как она ушла от Элюара.
В их разводе частично был виноват и сам Элюар. Ведь он сам познакомил Галу с Дали во время их поездки в каталонский город Кадакес в 1929 году.
Он был уверен, что их роман продлится недолго, но ошибся — восторг Дали стал любовью всей его жизни.
В истерическом смехе и непристойных шутках привлекательного молодого человека, которыми он буквально сводил с ума всех присутствующих, она увидела несколько больше.
Автор фото, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018
Підпис до фото,Портрет-сновидение «Галатея со сферами» Дали написал в 1952 году
Позже Дали говорил, что она первая распознала в нем гения. Но он также признавал, что «она стремилась и к реализации собственного мифа. И наверняка она начала осознавать, что дать ей это мог только я».
Ее решение оставить богатого и успешного Элюара ради никому не известного тогда Дали заставляет усомниться в ее репутации женщины-охотницы за деньгами.
По мнению Эстреллы де Диего, «Гала чувствовала, что с Дали она сможет реализовать свой творческий потенциал».
Она сменила роскошную парижскую квартиру на крошечный каменный домик в каталонской рыбацкой деревушке Портлиггат.
Она находила утешение у местных рыбаков, которые давали ей физическое удовольствие, на которое Дали с его отвращением к традиционному сексу был неспособен.
Автор фото, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018
Підпис до фото,Слава музы и чудовища окружала Галу всю ее жизнь
Здесь и начался их «совместный творческий проект», как выразился директор Музея Пепе Серра, сотрудничество, продолжавшееся всю жизнь.
По мнению многих, Гала создала и самого Дали, однако де Диего уверена, что ее роль была больше.
Гала «приняла участие в проекте «Дали» как артист перформанса, как исполнительница главной роли в произведениях художника.
Творческое сотрудничество
В течение десятилетий Дали рисовал портреты Галы: ее огромная голова с умиротворенной улыбкой на фоне опустошенного пейзажа, Гала в образе рафаэлевской мадонны, которая распадается на фракции или обнажает левую грудь.
Автор фото, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018
Підпис до фото,«Воспоминания женщины-девочки» 1929 года — один из многих портретов Галы кисти Сальвадора Дали
«Сложно представить, что Гала позировала Дали, послушно выполняя все его приказы, как ей сесть или что надеть. Очевидно, они обсуждали это вместе», — говорит Серра.
О ее созидательной роли свидетельствует и подпись, которую Дали оставил на многих своих картинах «Гала-Сальвадор Дали». Современному зрителю, привыкшему к художественным коллаборациям, такая подпись понятна гораздо больше, чем современникам художника.
Хотя Гала предпочитала скрываться за ролью музы, ее творческий вклад становится очевидным в «Сне Венеры» — одной из первых в истории художественных инсталляций.
Сюрреалистический павильон «Сон Венеры» был создан для Всемирной выставки в Нью-Йорке в 1939 году.
Через вход в виде женских ног зрители попадали в зал, где на фоне известных произведений Дали были также представлены и «живые картины», на которых позировали настоящие модели.
Есть несколько фотографий, на которых Гала обсуждает проект с Дали, разрабатывает костюмы и даже помогает устанавливать разные секции павильона.
«Она могла бы быть моделью для «Сна Венеры», но взяла на себя роль художника», — обращает внимание де Диего.
Автор фото, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018
Підпис до фото,Гала была постоянным источником вдохновения для Дали, позируя для многих его картин, как «Мадонна из Портлиггата» (первая версия), 1949 г.
Пока слава и состояние Дали постепенно росли, Гала всегда была рядом. Их жизнь превратилась в непрерывную череду тщательно срежиссированных выходов в свет, которые Серра метко называет «проект Дали».
Но в творчестве Дали его бывшие соратники-сюрреалисты вскоре увидели и коммерческую жилку, дав художнику презрительное прозвище, анаграмму его имени, Avida Dollars (примерно «жадный до долларов»).
Их жажду денег объясняли тем, что Гала играла в азартные игры и тратила огромные суммы на своих молодых любовников.
Ее поведение трудно не назвать возмутительным. Она приносила Дали на подпись тысячи копий его картин, которые продавала за огромные деньги как подлинники.
Она безжалостно обращалась с мужчинами, которые ей отказывали, даже когда речь шла о юном сыне Макса Эрнста. Ее нисколько не смущал тот факт, что именно она разрушила брак родителей мальчика.
Автор фото, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018
Підпис до фото,Сальвадор Дали и Гала работают в павильоне «Сон Венеры» в 1939 году
Впрочем, совсем другой взгляд на Галу открывает Замок Пуболь, который Дали подарил ей в 1969 году и который сам по себе можно считать произведением сюрреалистического искусства.
«Замок выглядит очень аскетично, он практически пуст, кроме нескольких картин и элементов интерьера, — рассказывает де Диего. — Кажется, будто он принадлежит какому-то отшельнику, и это в определенной степени отражает дух Галы».
Замок становится настоящим откровением для тех, кому Гала известна как роковая, корыстная женщина.
Как отмечает де Диего, «легко повторять избитый миф об ужасной Гале, виновной во всем, что Дали сделал не так».
«Гораздо сложнее переосмыслить ее роль в истории». Возможно, именно сейчас и настало для этого время.
Омск – город будущего!. Официальный портал Администрации города Омска
Омск — город будущего!
Город Омск основан в 1716 году. Официально получил статус города в 1782 году. С 1934 года — административный центр Омской области.
Площадь Омска — 566,9 кв. км. Территория города разделена на пять административных округов: Центральный, Советский, Кировский, Ленинский, Октябрьский. Протяженность города Омска вдоль реки Иртыш — около 40 км.
Расстояние от Омска до Москвы — 2 555 км.
Координаты города Омска: 55.00˚ северной широты, 73.24˚ восточной долготы.
Климат Омска — резко континентальный. Зима суровая, продолжительная, с устойчивым снежным покровом. Лето теплое, чаще жаркое. Для весны и осени характерны резкие колебания температуры. Средняя температура самого теплого месяца (июля): +18˚С. Средняя температура самого холодного месяца (января): –19˚С.
Часовой пояс: GMT +6.
Численность населения на 1 января 2020 года составляет 1 154 500 человек.
Плотность населения — 2 036,7 человек на 1 кв. км.
Омск — один из крупнейших городов Западно-Сибирского региона России. Омская область соседствует на западе и севере с Тюменской областью, на востоке – с Томской и Новосибирской областями, на юге и юго-западе — с Республикой Казахстан.
©Фото Б.В. Метцгера
Герб города Омска
Омск — крупный транспортный узел, в котором пересекаются воздушный, речной, железнодорожный, автомобильный и трубопроводный транспортные пути. Расположение на пересечении Транссибирской железнодорожной магистрали с крупной водной артерией (рекой Иртыш), наличие аэропорта обеспечивают динамичное и разностороннее развитие города.
©Фото Алёны Гробовой
Город на слиянии двух рек
В настоящее время Омск — крупнейший промышленный, научный и культурный центр Западной Сибири, обладающий высоким социальным, научным, производственным потенциалом.
©Фото Б.В. Метцгера
Тарские ворота
Сложившаяся структура экономики города определяет Омск как крупный центр обрабатывающей промышленности, основу которой составляют предприятия топливно-энергетических отраслей, химической и нефтехимической промышленности, машиностроения, пищевой промышленности.
©Фото Б.В. Метцгера
Омский нефтезавод
В Омске широко представлены финансовые институты, действуют филиалы всех крупнейших российских банков, а также брокерские, лизинговые и факторинговые компании.
Омск имеет устойчивый имидж инвестиционно привлекательного города. Организации города Омска осуществляют внешнеторговые отношения более чем с 60 странами мира. Наиболее активными торговыми партнерами являются Испания, Казахстан, Нидерланды, Финляндия, Украина, Беларусь.
Город постепенно обретает черты крупного регионального и международного делового центра с крепкими традициями гостеприимства и развитой инфраструктурой обслуживания туризма. Год от года город принимает все больше гостей, растет число как туристических, так и деловых визитов, что в свою очередь стимулирует развитие гостиничного бизнеса.
©Фото Б.В. Метцгера
Серафимо-Алексеевская часовня
Омск — крупный научный и образовательный центр. Выполнением научных разработок и исследований занимаются более 40 организаций, Омский научный центр СО РАН. Высшую школу представляют более 20 вузов, которые славятся высоким уровнем подготовки специалистов самых различных сфер деятельности. Омская высшая школа традиционно считается одной из лучших в России, потому сюда едут учиться со всех концов России, а также из других стран.
©Фото А.Ю. Кудрявцева
Ученица гимназии № 75
Высок культурный потенциал Омска. У омичей и гостей нашего города всегда есть возможность вести насыщенную культурную жизнь, оставаясь в курсе современных тенденций и течений в музыке, искусстве, литературе, моде. Этому способствуют городские библиотеки, музеи, театры, филармония, досуговые центры.
©Фото В.И. Сафонова
Омский государственный академический театр драмы
Насыщена и спортивная жизнь города. Ежегодно в Омске проходит Сибирский международный марафон, комплексная городская спартакиада. Во всем мире известны такие омские спортсмены, как борец Александр Пушница, пловец Роман Слуднов, боксер Алексей Тищенко, гимнастка Ирина Чащина, стрелок Дмитрий Лыкин.
©Фото из архива управления информационной политики Администрации города Омска
Навстречу победе!
Богатые исторические корни, многообразные архитектурные, ремесленные, культурные традиции, широкие возможности для плодотворной деятельности и разнообразного отдыха, атмосфера доброжелательности и гостеприимства, которую создают сами горожане, позволяют говорить о том, что Омск — город открытых возможностей, в котором комфортно жить и работать.
©Фото из архива пресс-службы Ленинского округа
Омск — город будущего!
показывать: 10255075100 71—79 из 79
прямая ссылка 08 ноября 2007 | 09:16
прямая ссылка 08 ноября 2007 | 01:25
прямая ссылка 05 ноября 2007 | 20:17
прямая ссылка 05 ноября 2007 | 17:28
прямая ссылка 04 ноября 2007 | 22:49
прямая ссылка 04 ноября 2007 | 12:47
уже не ‘Волкодав’, еще не ‘Турецкий Гамбит’
прямая ссылка 03 ноября 2007 | 20:14
Холоп, единорог и гешпанец
прямая ссылка 03 ноября 2007 | 03:52
прямая ссылка 02 ноября 2007 | 18:08
Бог наказал меня твой любовью ©
прямая ссылка 01 ноября 2007 | 23:37показывать: 10255075100 71—79 из 79 |
Безумие с волосами на лице — Части истории
Сегодняшнее сообщение пришло от Марисы Хоули, стажера Управления национальной архивной стратегии и коммуникаций.
Генерал Амброуз Э. Бернсайд, ок. 1860 — ок. 1865. (Идентификатор Национального архива 528717)В рамках празднования «Шесть недель стиля» в честь партнерства Фонда национальных архивов с Неделей моды округа Колумбия мы демонстрируем записи о моде из наших фондов. Модная тема этой недели — стильных женщин (и мужчин) 19 века.
1860-е годы, несомненно, были одним из самых бурных десятилетий в истории нашей страны. Напряжение между северными и южными штатами по таким вопросам, как рабство, права штатов и экономическое неравенство, накалялось почти полвека. В 1861 году конфликт достиг точки кипения, когда южные штаты вышли из Союза, и страна вступила в гражданскую войну.
Несмотря на многочисленные идеологические, политические и социальные различия, Север и Юг, безусловно, имели одну общую черту: склонность к растительности на лице.
После провала многих либеральных революций в Европе в конце 1840-х годов бороды быстро утратили свою связь с радикализмом. Фактически, с середины до конца 19 века волосатость стала синонимом мужественности, достоинства и власти.
Генерал Крис. К. Авгур, ок. 1860 — ок. 1865. (Идентификатор Национального архива 528484)Мужчины разного политического и социального статуса начали принимать всевозможные очаровательные прически на лице: длинные, короткие, неряшливые, аккуратные, с усами, без усов — вы называете это, они отрастили их.Некоторые из наиболее выдающихся военачальников Гражданской войны как на стороне Союза, так и на стороне Конфедерации являются образцовыми моделями так называемого движения за бороды.
Если вы не знакомы с Генералом Союза Амброузом Бернсайдом и его успехом при осаде Ноксвилла, возможно, вы слышали о феномене растительности на лице, известном как бакенбарды.
Этот термин — игра на фамилии Бернсайда; Генерал был печально известен своими толстыми бакенбардами, прикрепленными к его усам и безбородым подбородком.«Бакенбарды», скорее всего, возникли из-за того, что эти пряди волос носили по обе стороны лица.
Генерал «Джеб» Стюарт, Конфедеративные Штаты Америки, 1863 г. (Идентификатор национальных архивов 518135)Другой менее известный генерал Союза, Кристофер С. Авгур, был выпускником Вест-Пойнта, который играл активную роль в кампаниях западной границы против коренных жителей. Американские племена на северо-западе Тихого океана до гражданской войны. Хотя он был ранен в битве при Сидар-Маунтин, президент Линкольн назначил его генерал-майором и командовал дивизией во время осады Порт-Гудзона.
Еще он носил дурацкие усы!
Не только члены Северной армии обнимали бороду — генерал армии Конфедерации Дж. Э.Б. У Стюарта из Вирджинии были серьезные волосы на лице. Стюарт также был выпускником Вест-Пойнта и входил в бригаду армии США, захватившую Джона Брауна во время рейда на Харперс-Ферри. Он прославился своей ролью командира поля боя во время битвы при Геттисберге.
Авраам Линкольн, ок. 1860 — ок. 1865. (Идентификатор национального архива 528325)Даже 16-й президент Соединенных Штатов не смог избежать безумной растительности на лице.
Авраам Линкольн стал всемирно известной исторической фигурой по множеству причин — сохранение Союза после самой кровопролитной войны в истории нашей страны, отмены рабства и провозглашения эмансипации, его политическая проницательность и, конечно же, характерная растительность на лице.
Линкольн популяризировал то, что стало известно как борода-занавеска на подбородке, стиль, при котором волосы растут вдоль линии челюсти и полностью покрывают подбородок.
Независимо от того, из какого государства они приехали и за какую сторону воевали, видные военачальники Гражданской войны серьезно относились к своим бородам.
Изучите больше «стилей подписи» и подписей, создающих историю, на нашей текущей выставке «Оставить свой след: истории через подписи» в галерее Лоуренса Ф. О’Брайена в здании Национального архива в Вашингтоне, округ Колумбия.
Хронология усов — Мужчины и их усы
1800–1880-е годы — бороды делают человека
В XIX веке волосы на лице были большими. Посмотрите на картины или фотографии того времени, и, скорее всего, у мужчин будут бороды, усы или бакенбарды — а иногда и сложные комбинации всех трех.
На протяжении большей части века упор делался на бороды и ожоги. В средние десятилетия большие волосатые бороды были в моде. Некоторые считали, что чем гуще борода, тем мужественнее мужчина. В эпоху, столь же одержимую проблемами со здоровьем, как и наша, некоторые люди утверждали, что хорошая борода означает хорошее здоровье.
Культурные или религиозные обычаи означали, что у некоторых мужчин росли или не росли волосы на лице. По мере того как с середины века искусство моко (или татуировки на лице) в обществе маори пришло в упадок, все больше мужчин маори отращивали усы или бороды.Христианские миссионеры утверждали, что моко были язычниками, поэтому некоторые мужчины маори отрастили волосы на лице, чтобы скрыть свои татуировки.
1880–1910 годы — от бушмена к человеку по городу
Более гладко выбритый вид был в моде примерно с 1880-х годов. Усы вступили в свои права. В косматом «моржовом» стиле волосы роскошно ниспадали на губу, но другие стили требовали большого ухода. «Империал», созданный по образцу европейской королевской семьи в конце века, требовал, чтобы мужчины (и их парикмахеры) брили и расчесывали волосы до щек.
Требовался еще более тщательный уход, чтобы «усы руля» хоть как-то размахивались. Этот стиль получил свое название от рулей самокатов, и, чтобы добиться того же вида, мужчины подстригали усы и придавали им форму воском.
Развитие технологий подтолкнуло моду к чисто стриженному виду — с 1880-х годов мужчины могли использовать безопасные бритвы вместо стропов и лезвий — но стили для волос на лице также рассказывают историю об изменении представлений о мужчинах и мужественности. Постепенно отсутствие бороды стало признаком цивилизованного современного человека.Бакенбарды были нормальным явлением в кустах, где нельзя было ожидать, что мужчины будут бриться каждый день. Однако по мере того, как Новая Зеландия становилась более урбанистической, а общество требовало, чтобы мужчины были более респектабельными, борода, как и суровая граница, осталась позади.
1910–1960 — гладкая верхняя губа
Это был лишь вопрос времени, когда усы станут такими же, как борода и бакенбарды. К 1910-м годам абсолютно гладкое лицо стало нормой. Первая мировая война ускорила появление безволосого образа. Мужчины, проводившие недели в грязи и сажи окопов, наслаждались возможностью вымыться и побриться в чистой воде, и после войны тенденция к бритью продолжилась.
В 1920-е гг. Особое внимание уделялось личной гигиене. Гладкое безволосое лицо — идеальный образ для мужчин. Безволосость стала модной и для женщин; это время, когда стили одежды больше подчеркивали женское тело, и начиналось всерьез бритье подмышек и ног.
Еще одна мировая война и военная дисциплина держали верхние губы гладкими. Были исключения: моряки могли получить разрешение прекратить бриться и отрастить «сет», а усатый пилот был обычным явлением в военно-воздушных силах.Ухоженный образ голливудской звезды, столь любимый мужчинами киви в 1950-х годах, был чисто выбрит с короткой спиной и боками. Это потребовало некоторых усилий. Женщины могли ходить в парикмахерские каждую неделю или около того, чтобы сделать прическу, но мужчины были столь же привередливы; они брились ежедневно и еженедельно подстригали волосы парикмахер, мама, их жена или подруга.
1960–1980-е — протест становится культурой
Отсутствие усов и бороды могло вызвать сильную мужскую линию подбородка — теоретически, если не на самом деле, — но к концу 1960-х годов поколению мужчин было достаточно.Чисто выбритый вид олицетворял консерватизм и старомодные ценности; молодое поколение хотело свободы, которую, казалось, предлагал мир. Усы вернулись, когда мужчины стали считать свое восстание заявлением о моде и образе жизни.
1970-е и начало 1980-х были еще одним периодом расцвета усов. Волосатые усы больше не были внешним признаком разочарованной молодости. У каждого второго мужчины были усы. От спортивной площадки до государственной службы была тенденция к большим и густым, поскольку усы, казалось, символизировали грубую мужественность.Было ли это совпадением, что это произошло одновременно с началом движения за права женщин?
Появились и новые стили, находящиеся под сильным влиянием американской моды. Обвисший, зловещий «фу маньчжурский» и тонкий, как карандаш, итальянский «таш» в какой-то мере обязаны своей популярностью кинофильмам о кунг-фу, гангстерам и мафии того времени.
1980-е годы — мода и индивидуальность
Увлечение усами не продлилось много времени после начала 1980-х годов, но кучки людей с усами висели на них — часто в силовых структурах, таких как полиция, пожарная служба или вооруженные силы.
Для некоторых представителей гей-сообщества 1980-х годов усы были культовым символом идентичности. Вдохновленные певцом Фредди Меркьюри или бородатыми «Медведями», геи с гордостью носили растительность на лице.
Мужчины продолжали экспериментировать с растительностью на лице как модным заявлением, но борода и бакенбарды в значительной степени преобладали над усами. All Blacks 1990-х и 2000-х годов — сознательные моделисты стиля по сравнению со своими предками — носили всевозможные прически для головы и лица, но сами по себе усы в значительной степени остались в прошлом.
Парикмахеры вносят изменения в образ жизни. «Кофе и латте не смешиваются — вся эта пена застревает в усах, так что что-то нужно убрать», — сказал один из веллингтонских парикмахеров газете Dominion Post в конце 2006 года. -хорошие метросексуалы начала 21 века, хотя они вернулись с 2010 года, возможно, под влиянием растущей популярности «Movember».
Произведения и известные картины Франсиско Гойи
ок.1821-23
Сатурн, пожирающий своего сына
Сатурн, пожирающий своего сына — еще одна из «Черных картин» Гойи, созданных в Ла Кинта-дель-Сордо. На нем изображен греческий миф о Титане Кроносе, который съел своих сыновей, потому что считал, что он будет свергнут одним из них (Сатурн — романизированная версия Титана). С его маленькой головой и выпученными глазами Сатурн широко открывает рот, чтобы грызть руку своего сына. Изуродованное тело трупа (с красной кровью, текущей из его ран, которая выглядит шокирующе яркой среди мрачной подземной палитры) напоминает аналогичные фигуры в The Disasters of War .Работа — еще один пример интереса Гойи к темным и ужасающим темам, будь то документальные или мифические.
Палитра аналогична картине Третье мая 1808 года ; темные, насыщенные цвета задают общий тон, а светлые привлекают наше внимание к центру драматического действия. Гойя использовал плоские, широкие мазки и толстый импасто по всей композиции; краска, кажется, была нанесена быстро, почти как в бешеном или возбужденном состоянии.
Хотя некоторые считают, что эта работа была вдохновлена картиной Питера Пауля Рубенса на ту же тему, историки искусства, такие как Фред Лихт, выразили сомнения относительно истинного сюжета Гойи.Например, говорят, что Сатурн ел своих сыновей в младенчестве, но жертва на картине Гойи выглядит взрослым. Точно так же округлые бедра и ноги фигуры ставят под сомнение ее пол (может ли это быть женщина?).
Следует отметить один важный аспект картины — это связь между Сатурном и «сатурнианским» темпераментом, или меланхолией, важная связь, учитывая то, что известно о тревожном состоянии ума Гойи, когда он писал эти работы. По крайней мере, картина выражает самые глубокие, самые мрачные аспекты его психики, возможно, выражая собственные страхи художника потерять свои силы перед лицом ухудшающегося физического и психического здоровья.На более широком политическом уровне произведение можно рассматривать в контексте времени Гойи как аллегорию реакционного правления. Конечно, деспотическое правление Фердинанда VII означало отказ приспособиться к эволюции современной жизни и общества, в то время как преследования инквизиции поглотили самую душу Испании. Однако, поскольку Гойя не писал об этих произведениях и никогда не предполагал, что они будут выставлены на всеобщее обозрение, его истинные намерения остаются загадкой.
Масло на гипсовой стене, перенесено на холст — Национальный музей Прадо
Усы: волосатая история
Молодое поколение в конце концов выступило против всей этой волосатой моды.Они хотели подражать поэту, который был «сумасшедшим, плохим и опасным». У лорда Байрона не было волос на лице, за исключением романтически завитых тонких усов, что противоречило преобладающим правилам растительности на лице, как и во всех других аспектах своей жизни. В течение нескольких десятилетий байронический стиль был самым сексуальным взглядом вокруг, и усы правили всем, но все это изменилось в 1854 году, с Крымской войной и возвращением массивной бороды.
Когда война закончилась в 1856 году, вернувшихся солдат было едва ли можно узнать из-за их огромной растительности на лице.Решив, что борода — признак героя, британские мужчины снова начали отращивать свои собственные. Повсюду были бороды, а усы терялись среди общего «грибка на лице» (как назвал его эдвардианский писатель Фрэнк Ричардсон). Это было темное время для усов.
К концу XIX века бороды окончательно вышли из моды, за исключением пожилых консервативных мужчин. Другом молодого человека было открытие бактерий и газетные сообщения, которые связывают микробы с бородой. По всей Европе и Северной Америке были введены новые правила, запрещающие бородатым мужчинам обращаться с едой, и бородатые пациенты больниц начали бриться, независимо от того, хотели они этого или нет.Будущее выглядело с гладким подбородком и усами.
Между тем усам в войне за господство против бороды помог конфликт другого типа. Во время Первой мировой войны отказались от бритья отказников — потому что печать на противогазах не подходила для бороды или усов. Однако для тех, кто жаждал отрастить усы, времена были тяжелыми — только некоторым военным разрешалось отращивать усы. Когда война закончилась, началась «усатая революция». Мужчины, которых заставляли бриться каждый день, теперь безжалостно их выращивали.
Волосы сегодня
Усы стали символом современного человека. В 1920 году юная Агата Кристи опубликовала свой первый детективный роман «Таинственное дело в Стайлсе», в котором рассказала об Эркюле Пуаро и его знаменитых усах. В Голливуде Кларк Гейбл, Эррол Флинн и Рональд Колман носили усы, от которых героиня могла упасть в обморок, но когда мир вошел в экономическую депрессию, усы на улице стали вымирающим видом. В 1932 году В.К. Грэм опубликовал книгу «Как найти работу во время депрессии».Это было не время для легкомысленных волос на лице: «Сбрей усы, если ищешь работу», — посоветовал он, «Усы… [могут] помочь в получении работы« альфонсом »или шейхом, но есть практически во время депрессии для них нет возможностей ». Когда в 1936 году актер Чарльз Лотон попал в газеты с новостями о том, что он отращивает бороду и усы, читатели были уверены, что это произошло исключительно из-за его предстоящей роли в кино в роли Рембрандта.
Почему Мона Лиза так известна?
© Everett-Art / Shutterstock.comПять веков спустя после того, как Леонардо да Винчи написал Мона Лиза (1503–195019 гг.), портрет висит за пуленепробиваемым стеклом в Лувре и ежедневно привлекает тысячи толпящихся зрителей. Это самая известная картина в мире, и тем не менее, когда зрителям удастся рассмотреть произведение искусства вблизи, они, вероятно, будут сбиты с толку небольшим приглушенным портретом обычной женщины. Она скромно одета в полупрозрачную вуаль, темную мантию и без украшений. О ее улыбке и взгляде сказано много, но зрители все еще могут задаться вопросом, о чем идет речь.Наряду с загадками личности натурщицы и ее загадочным взглядом, причина популярности работы — одна из многих загадок. Хотя многие теории пытались указать одну причину популярности этого произведения искусства, самые убедительные аргументы настаивают на том, что единого объяснения нет. Слава Мона Лиза — результат множества случайных обстоятельств в сочетании с присущей картине привлекательностью.
Нет сомнений в том, что Мона Лиза — очень хорошая картина.Она была высоко оценена, даже когда Леонардо работал над ней, а его современники скопировали тогда новую позу трех четвертей. Писатель Джорджо Вазари позже превозносил способность Леонардо точно подражать природе. Действительно, Мона Лиза — очень реалистичный портрет. Мягкое скульптурное лицо человека демонстрирует умение Леонардо обращаться со сфумато, художественной техникой, которая использует тонкие градации света и тени для моделирования формы и показывает его понимание черепа под кожей. Изящно нарисованная вуаль, искусно обработанные локоны и аккуратная прорисовка сложенной ткани демонстрируют внимательные наблюдения и неиссякаемое терпение Леонардо.И хотя пристальный взгляд натурщицы и сдержанная улыбка не считались загадочными до XIX века, сегодня зрители могут оценить ее двусмысленное выражение. Леонардо нарисовал сложную фигуру, очень похожую на сложного человека.
Однако многие ученые отмечают, что превосходного качества Мона Лиза самого по себе было недостаточно, чтобы сделать картину знаменитостью. В конце концов, есть много хороших картин. Известности произведению искусства способствовали и внешние события.То, что дом картины — Лувр, один из самых посещаемых музеев мира, — это случайное обстоятельство, которое повысило престиж работы. Он прибыл в Лувр окольным путем, начиная с Франциска I, короля Франции, при дворе которого Леонардо провел последние годы своей жизни. Картина стала частью королевской коллекции, и на протяжении веков портрет хранился во французских дворцах, пока революция не объявила королевскую коллекцию собственностью народа. После пребывания в спальне Наполеона модель Mona Lisa была установлена в Лувре на рубеже XIX века.По мере того, как покровительство Лувра росло, росло и признание картины.
Личность натурщика портрета вскоре стала более интригующей. Хотя многие ученые считают, что на картине изображена Лиза Герардини, жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо, никаких записей о таком поручении от Франческо не существует, и натурщик так и не был окончательно идентифицирован. Неизвестная личность, таким образом, придавала фигуру той характеристике, которую люди хотели ее описать. В эпоху романтизма XIX века простая флорентийская домохозяйка, которую, возможно, изображали, превратилась в загадочную соблазнительницу.Французский писатель Теофиль Готье описал ее как «странное существо… ее взгляд обещал неизведанные удовольствия», в то время как другие говорили о ее коварных губах и очаровательной улыбке. Английский писатель Уолтер Патер дошел до того, что назвал ее вампиром, который «много раз был мертв и узнал секреты могилы». Атмосфера таинственности, окружавшая Мона Лиза в 19 веке, продолжает определять картину и вызывать предположения.
Между тем 19 век мифологизировал Леонардо как гения.На протяжении столетий после его смерти он пользовался уважением, но не больше, чем его уважаемые современники Микеланджело и Рафаэль. Однако некоторые ученые отметили, что по мере роста интереса к эпохе Возрождения в 19 веке Леонардо стал более популярным не только как очень хороший художник, но и как великий ученый и изобретатель, чьи проекты были прообразом современных изобретений. Многие из его так называемых изобретений были позже опровергнуты, а его вклад в науку и архитектуру стал считаться незначительным, но миф о Леонардо как гении сохранился и в 21 веке, внося свой вклад в Мона Лиза . популярность.
Писатели 19 века вызвали интерес к картине Мона Лиза , но кража картины в 1911 году и последовавшее за этим безумие СМИ привлекли к ней внимание всего мира. Когда 22 августа того же года стало известно о преступлении, это вызвало немедленную сенсацию. Люди стекались в Лувр, чтобы полюбоваться пустым пространством, на котором когда-то висела картина, директор музея подал в отставку, обвинения в розыгрыше разлетелись по газетам, а Пабло Пикассо даже был арестован как подозреваемый! Два года спустя картина была найдена в Италии после того, как арт-дилер во Флоренции сообщил местным властям, что с ним связался мужчина по поводу продажи картины.Этим человеком был Винченцо Перуджа, итальянский иммигрант во Францию, который некоторое время работал в Лувре над стеклом над рядом картин, в том числе Мона Лиза . Он и двое других рабочих сняли портрет со стены, спрятали с ним в туалете на ночь, а утром убежали с ним. Не имея возможности продать картину из-за внимания средств массовой информации, Перуджа спрятал ее на фальшивом дне сундука до своего поимки. Его судили, осудили и посадили в тюрьму за кражу, пока картина путешествовала по Италии, прежде чем триумфально вернулась в Лувр.К тому времени многие французы стали рассматривать эту работу как национальное достояние, которое они потеряли и вернули.
Encyclopædia Britannica, Inc.Мона Лиза , безусловно, была более известна после ограбления, но Первая мировая война вскоре привлекла внимание всего мира. Некоторые ученые утверждают, что игривое искажение Марселем Дюшаном репродукции открытки в 1919 году привлекло внимание к Мона Лиза и положило начало тенденции, которая сделала эту картину одной из самых узнаваемых в мире.Он выступил против поклонения искусству, когда нарисовал на лице женщины бороду и усы и добавил аббревиатуру L.H.O.O.Q. (означало вызвать вульгарную фразу по-французски) внизу. Этот акт непочтительности вызвал небольшой скандал, и другие хитрые артисты признали, что такая шутка привлечет к ним внимание. Спустя десятилетия этому примеру последовали и другие художники, в частности Энди Уорхол. По мере того как художники искажали, искажали и играли с репродукциями Моны Лизы , карикатуристы и рекламщики преувеличивали ее еще больше.На протяжении десятилетий, по мере совершенствования технологий, картины бесконечно воспроизводили, иногда манипулировали, а иногда нет, так что лицо натурщика стало одним из самых известных в мире даже для тех, кто мало интересовался искусством.
Поездка картины в Соединенные Штаты в 1963 году и в Японию в 1974 году повысила ее статус до статуса знаменитости. Мона Лиза путешествовала по Соединенным Штатам не менее чем в первоклассной каюте на океанском лайнере и привлекала около 40 000 человек в день в Метрополитен-музей в Нью-Йорке и Национальную галерею искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.C., во время шестинедельного пребывания портрета. Примерно десять лет спустя портрет встречал огромные толпы людей в Японии. Более того, поскольку путешествия становятся все более доступными с конца 20-го века, все больше и больше людей имеют возможность посетить Париж и лично засвидетельствовать свое почтение, внося свой вклад в сегодняшнюю непоколебимую толпу.
Хотя Мона Лиза , несомненно, является хорошим произведением искусства, нет единой причины для ее популярности. Скорее всего, сотни обстоятельств — от случайного прибытия в Лувр до создания мифов 19 века и бесконечных репродукций 20 и 21 веков — все вместе с неотъемлемой привлекательностью картины сделали картину Мона Лиза . самая известная картина в мире.
40 лучших усов всех времен
Getty
Некоторые из самых легендарных фигур нашего времени носили старые добрые усы. Будь то тонкие, тонкие как карандаш усы или грандиозные усы, каждый волосок на лице стал частью истории. И эта история не обязательно должна быть исторической. Так же, как были известные обладатели усов в реальной жизни, были и культовые кинематографические усы.
Так что, если вы ищете вдохновение, как именно вырастить этот Movember, или вам просто интересно посмотреть, как парни из прошлого и настоящего раскачивали свои усы, не смотрите дальше. Эти 40 усов — лучшие на все времена. Да, будет Сэм Эллиотт. Черт возьми, там будет Сэм Эллиотт.
Просмотр галереи 40 Фото1 из 40
Эмилиано Сапата
Мексиканский лидер совершил революцию, возможно, в немалой степени из-за этих драматических, властных усов.Сапата внушал трепет и преданность.
2 из 40
Сальвадор Дали
Испанский художник-сюрреалист известен своими изящно вылепленными и артистичными «усами» так же, как и своими работами.
3 из 40
Алекс Требек
Этот усатый канадско-американский телеведущий руководит Jeopardy с 1984 года и получил шесть Эмми.Кто такой Алекс Требек? Вы делаете ставку.
4 из 40
Чарли Чаплин
Чаплин раскачивал то, что называлось «усами зубной щетки». Это был популярный стиль еще в 20-х годах, хотя с тех пор он выпал из поля зрения растительности на лице. Не представляю почему. О, верно.
5 из 40
Альберт Эйнштейн
Кто может винить его в том, что у него растрепанная грива и дикие усы? Мужчина был слишком занят изучением представлений о времени и пространстве в течение всего дня, чтобы беспокоиться о сохранении четкого вида.
6 из 40
Сэм Эллиотт
Единственное, что впечатляет больше, чем его усы, — это звучный голос, который доносится из-под них. Трудно сказать, что было первым: голос или усы. Оба стары как время.
7 из 40
Марк Твен
Его книги — классическая американская литература.У него классические усы американского моржа.
8 из 40
Фридрих Ницше
Немногие философы XIX века имеют собственную страницу в Facebook, не говоря уже о странице для усов. Невозможно быть сверхчеловеком без Ubermustache.
9 из 40
Дэвид Харбор (в роли Хоппера)
Мы, должно быть, переживаем своего рода возрождение усатого телевидения.(Больше в этом списке.) Но Stranger Thing ‘s Hopper отрывается от этого. Вот белка над губой выглядит свирепо.
10 из 40
Фрида Кало
Эти усы были символом всех ценностей, которые отстаивала Фрида, нарушая нормы и избегая жестких социальных построений своего времени. Также ищите ее в монобровном списке.
11 из 40
Генерал Амброуз Бернсайд
Вы знаете, что ваш образ является культовым, когда бакенбарды буквально названы в честь вас.
12 из 40
Берт Рейнольдс
Актер, прославившийся в 70-х и 80-х годах, до сих пор качает свои знаменитые усы.
13 из 40
Теодор Рузвельт
Вы знаете, что 26-й президент США имел серьезные намерения, когда носил свои фирменные усы, которые давали ему авторитетное преимущество.
14 из 40
Том Селлек
Невозможно представить себе актера, прославившегося в 70-х, без фирменных усов. Волосы на лице идеально подходили его эпохе.
15 из 40
Граучо Маркс
Несмотря на то, что усы были фальшивыми, они по-прежнему считаются одними из самых знаковых в истории.
16 из 40
Кларк Гейбл
Гладкие скульптурные усы, рожденные этой звездой Голливуда, так же известны, как и его последние слова в Унесенные ветром : «Честно говоря, моя дорогая, мне наплевать».
17 из 40
Мартин Лютер Кинг младший.
Чисто остриженные усы преподобного, активиста и правозащитника были важной частью его образа.
18 из 40
Уолтер Кронкайт
Ничего особенного, но уважаемый в стране телекомментатор и усы телеведущего составляли часть его общего присутствия, на которое зрители полагались в мировых новостях.
19 из 40
Джон Уотерс
Знаменитый американский кинорежиссер также был известен своими фирменными тонкими усами, которые слегка касались его верхней губы.
20 из 40
Мэнди Патинкин (как Иниго Монтойя)
Нет Иниго Монтойи без усов. Когда он говорит «приготовься к смерти», ты должен … приготовиться к смерти.
21 из 40
Фредди Меркури
Фронтмен Queen редко выступал без усов на буксире.
22 из 40
Лайонел Ричи
Как Ричи сохраняет такие безупречные усы? В интервью GQ он ответил: пинцет. «Итак, когда у тебя то, что я называю мертвым временем, скука, ты в отеле или в раздевалке, и есть большое зеркало с десятикратным увеличением? О, боже! Включи это зеркало себе на лицо».
23 из 40
Ник Офферман
Еще одна ведущая фигура усов на телевидении 2000-х годов.Рон Суонсон. Хотя трудно сказать, играет ли это Офферман Суонсона или, когда камера выключается, Суонсона, населяющего Оффермана.
24 из 40
Ролли Пальцы
Хотя у питчера были финансовые мотивы (ему предложили 300 долларов, чтобы вырастить его усы), он воспользовался возможностью и побежал с ней, раскачивая фигурный вощеный руль с 70-х по сегодняшний день, что сделало его одним из самых узнаваемых лиц. в бейсболе.
25 из 40
Реджи Джексон
Мистер Октябрь обнаружил у янки волшебство после окончания сезона из-за сладких качелей и еще более сладких усов. Магия плей-офф приходит откуда-то.
26 из 40
Майк Дитка
Пожалуй, самая известная спортивная уса принадлежит главному тренеру Майку Дитке.Извини, Энди Рид. Дитка сделала это первой. А где взять вязаные свитера «Мишки»?
27 из 40
Ребекка Ромейн
Ой, вы не заметили ее молочные усы? Ромейн был лицом кампании «Есть молоко?», Навсегда изменившей значение усов.
28 из 40
Принц
Усик иконы был почти таким же легендарным, как и сам одетый в пурпур исполнитель.
29 из 40
Генри Кавилл (в роли Августа Уокера)
Это самые дорогие усы на свете? Наверное. Кавилл отращивал усы для своей роли в : «Миссия невыполнима: Fallout ». Единственная проблема заключалась в том, что он одновременно снимал Лига справедливости . А у Супермена нет усов. Стоимость CGI по удалению усов Кавилла во время постпродакшна: 3 миллиона долларов.Действительно.
30 из 40
Брайан Крэнстон (в роли Уолтера Уайта)
Его персонаж погрузился во тьму, а его усы превратились в бородатую бородку.
Реклама — продолжить чтение ниже
Марио Абад Марио Абад — писатель по стилю и уходу из Манхэттена.Джош Сент-Клер Джошуа Сент-Клер — помощник редактора журнала Men’s Health.Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты. Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.
Алекс Брегман из Astros бреет усы в середине игры
1of11
На изображениях изображен третий игрок с низов Астроса Алекс Брегман с усами во время игры на летучей мыши во втором иннинге и без усов во время игры на летучей мыши в четвертом иннинге.
>>> Смотрите розыгрыши Astros до конца регулярного сезона 2018.
Карен УорренПоказать большеПоказать меньше2of11ФОТОГРАФИИ: Последняя из розыгрышей Astros в этом сезоне
Пятница-воскресенье, 14-16 сентября vs. Diamondbacks
Фестиваль испанского наследия на улице
Уличный фестиваль за пределами стадиона перед каждой игрой в эти выходные.Информация здесь Майкл Чиагло / Houston ChronicleКарлос Корреа Реплика оранжевый Джерси
(Первые 10 000 фанатов)
Стив Гонсалес / Хьюстонская хроникаРеплика кольца чемпионата World Series
(Присутствуют все фанаты)
Brett Coomer / Houston ChronicleПоказать большеПоказать меньше23 против АнгеловФото команды Astros 2018 / Плакат Astros на 2019 год
(Первые 10 000 фанатов)
Бретт Кумер / Хьюстонская хроникаПоказать большеПоказать меньше8of11Воскресенье, 23 сентября, против Ангелов, 13:10
Фото команды Astros 2018 / Афиша расписания Astros 2019
(Первые 10 000 фанатов)
Бен Марго / Associated PressПоказать большеПоказать меньшеРеплика кольца чемпионата World Series
(Присутствуют все фанаты)
Карен Уоррен / Houston ChronicleПоказать большеПоказать меньше11из11Между своей второй и третьей победой в воскресном матче против Royals со счетом 11: 3 Алекс Брегман сбрил — или «отправил» — усы, которые росли в последние дни.
Причины роста усов неизвестны. Брегман вступил в воскресную игру в заносе 1: 9, и, как известно, игроки в мяч будут делать все возможное, чтобы вырваться из спада.
ОБЗОР ИГРЫ: Большой шлем Юли Гурриэля способствует разгрому Астроса
Усы впервые появились во время субботней игры, один Брегман финишировал 1 из 5. В воскресенье он вылетел на шорт-стоп в первой иннинге и уговорил прогуляться во второй.
Когда он появился в четвертом иннинге, растительность на лице исчезла, что вызвало безумие в социальных сетях. На вопрос о его объяснении после игры Брегман ответил только «Я только что побрил его».
С несколько смущенной улыбкой менеджер А.Дж. Хинч сказал после игры, что не заметил новый облик своего третьего игрока с низов. Как и стартовый питчер дня.
«Я не обращаю внимания на привычки Алекса к бритью в середине игры», — сказал Геррит Коул.